INTERNACIONALIZAÇÃO DA ARTE BRASILEIRA A PARTIR DOS ANOS 80 E A CONSTRUÇÃO DE HÉLIO OITICICA E LYGIA CLARK COMO REFERENCIAIS CANÔNICOS DESSA PRODUÇÃO ARTÃSTICA.
In: Revista Arte & Ensaios 33, 2017
https://revistas.ufrj.br/index.php/ae/article/view/11081/8690
SESC Sorocaba, Ṣo Paulo, Brasil. De 12.8 Р3.12.2017
Curadoria geral – Daniela Labra
Curador assistente – Yudi Rafael
Curadoria educativa – Fabio Tremonte
Curadoria editorial – Ana Maria Maia e Julia Ayerbe
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Frestas Trienal 2017: Entre pós-verdades e acontecimentos
A arte fura.
Esta edição de Frestas associa o nome do evento à noção de interstÃcio: um espaço-entre cheio de sensibilidade e potência criativa transformadora, onde a ambiguidade e a indefinição de conceitos, formas e modelos é explorada de modo poético e crÃtico. Enquanto o existir nas cidades parece se reduzir a dÃgitos numéricos em cenários homogêneos de shoppings, conglomerados e condomÃnios, apostamos aqui na máxima “criar é resistir”, compreendendo a prática da arte e sua fruição como singulares vias propositivas libertadoras do contexto de exaltação da produtividade, competitividade, vigilância e espetacularização da vida.
Considerando que a natureza regrada e acadêmica da arte ruiu há tempos, refletimos sobre a impossibilidade de definir Verdade na obra contemporânea, e também discutimos as narrativas polÃticas sustentadas por memes e populismos midiáticos amparados em discursos morais e dogmáticos, que ganham força e constituem parte do contexto que a própria arte espelha e reage.
O tÃtulo da mostra veio antes do termo pós-verdade ser indicado como o mais comentado na internet em 2016. O termo não é novo e seu germe já aparece em Verdade e PolÃtica (1967), de Hannah Arendt. Recentemente, ele se tornou protagonista no comentário polÃtico internacional, impulsionado pelo afã, de grandes publicações jornalÃsticas em disseminar, pela rede, opiniões como fatos consistentes que rapidamente ganham status de verdades.
Já a ideia de Acontecimento refere-se à natureza de uma Trienal, e a sua definição na antropologia e filosofia: Acontecimentos, sempre temidos e esperados, como um evento climático, militar ou polÃtico, que trazem o risco de um corte irreversÃvel com o passado, marcando transformações profundas no curso histórico e social de comunidades.
Participam da mostra artistas de diferentes nacionalidades, gerações e linguagens, cujas obras trazem questões como ambiguidades formais; transdisciplinaridade; temporalidade; performatividade; gênero e sexualidade; crÃtica social e artisticidade. Mais da metade dos projetos são comissionados e inéditos, e ocuparão o edifÃcio da Unidade além de vias públicas, outras instituições, lojas e ruÃnas históricas, criando circuitos de experiências estéticas instigantes entre o SESC e a cidade.
Daniela Labra
Todas as fotos| all pictures: Matheus José Maria
Das Virgens em Cardumes e da Cor das Auras (On Virgins in shoal and the Colour of the Auras) – Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea, Rio de Janeiro. De 4.06.2016 a 31.01. 2017.
Curadoria: Daniela Labra
http://museubispodorosario.com/
This exhibition was specially designed for the Museum Bispo do Rosário of Contemporary Art, located in the former psychiatric asylum Juliano Moreira Colony, Rio de Janeiro, and it brings together works by renowned Brazilian artists that investigates a performance or the performative, for an unusual and vigorous dialogue with the set of the work of Arthur Bispo do Rosario.
Virgins_Folder in English PDF
Esta exposição foi pensada especialmente para o Museu Bispo do Rosário de Arte Contemporânea, localizado na Colônia Juliano Moreira, Rio de Janeiro, e reúne obras de artistas brasileiros de reconhecida atuação que investigam a performance ou o performativo, para um diálogo incomum e vigoroso com o conjunto da obra de Arthur Bispo do Rosário. Foram selecionadas peças da coleção da instituição que fazem refletir sobre o lado mÃstico, sacerdotal e performático de um homem que acreditou ter se tornado mensageiro da humanidade, e tomou como missão inventariar o mundo antes do seu Fim. Peças como o Manto da Apresentação, estandartes, faixas de Miss e indumentárias bordadas e colecionadas por Bispo, são apresentadas ao lado de fotografias, vÃdeos e instalações que dão novas leituras sensÃveis ao legado desse artista fora dos padrões do sistema da arte. O tÃtulo evoca a imagem fantástica das “virgens em cardumesâ€, anunciada em um de seus bordados confeccionados no asilo psiquiátrico, enquanto que “da cor das auras†remete ao tempo em que o interno interpelava a cor da sua aura aos visitantes da cela/ateliê que habitou, no Pavilhão 10 da Colônia Juliano Moreira. 
Das Virgens em Cardumes e da Cor das Auras tem uma programação viva e experimental. Além da mostra, diferentes espaços do Museu e da Colônia receberão, por quatro meses, ações, workshops e residências artÃsticas. Convocando a obra de Bispo, o projeto se coloca como um desdobramento poético e crÃtico das suas visões de mundo, engendradas no meio em que viveu por 50 anos, de modo intermitente, onde era regra o confinamento de corpos e a anulação de subjetividades consideradas antissociais. Mais do que obras acabadas, os artistas convidados aqui envolvem visitantes do museu, pacientes psiquiátricos, moradores da região, estudantes e demais público interessado em arte e performance contemporânea, em processos de reconhecimento da arte na vida e vice-versa, promovendo atividades e experiências estéticas que podem ser tão instigantes quanto transformadoras.
Daniel Beerstecher. Como explicar esse mundo para meu pássaro (WIE ICH MEINEM VOGEL DIE WELT ERKLÄRE).
2013. Still de video.
“Depois do Futuro†é um projeto de pesquisa que gerou seminário, cursos e uma exposição com caráter emergencial, elaborada em tempos de crise de proporções olÃmpicas no contexto do Rio de Janeiro e do Brasil.Os trabalhos apresentados tratam da falência institucional e do vazio polÃtico que predominam no presente brasileiro, e na realidade latino-americana, repleta de violência e injustiças desde a colonização. Ao mesmo tempo, há também proposições que elucubram questões como novos modelos de convivência, cooperação, criação e subsistência, os mesmos que na atualidade despontam pelo planeta em células apartidárias e mobilizadoras da sociedade civil. A arte se coloca, assim, como ferramenta sensÃvel para uma percepção crÃtica do mundo, informando, educando e permitindo sonhar com futuros que não podem ficar para depois.
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“After the Future” is a research and exhibition project wich included a Seminar, courses and an exhibition with an emergency feature, prepared in Olympic proportions times of crisis in the context of Rio de Janeiro and Brazil. The show presents works which deals with the institutional failure and political vacuum that dominate the Brazilian present, and the Latin American reality, fulled of brutality and injustice since colonization. At the same time, there are proposals that consider issues such as new models of coexistence, cooperation, creation and subsistence, the same as today emerge around the planet in non-partisan and mobilizing cells of civil society. The art is placed thus as sensitive tool for a critical perception of the world, informing, educating and enabling to dream with futures that cannot come later.
Daniela Labra | Curadora visitante EAV Parque Lage/ Visitor curator at Parque Lage Visual Arts School
Artistas/Artists
Alice Miceli  | Amanda Copstein* | Ana Matheus Abbade* | André Queiroz* | Brenno de Castro* | Caroline Pavão* | Cristiano Lenhardt  | Daniel Beerstecher  |Daniel Escobar | Dani Ferreira*  | EmÃlia Estrada* | Felipe Ferreira* |Fernanda Andrade* | Franz Manata e Saulo Laudares  | Gustavo Speridião  | Guto Nóbrega  | Irene de Andrés | Isis Passos* | Joana Csekö e Pedro Urano | João Paulo Racy* | Jorge Menna Barreto  | Julia Rometti | Laercio Redondo  | Lia do Rio  | Leonardo Herrera  | Manoel Manoel*  | Maria Thereza Alves  | Mariana Kaufman* | Pablo Lobato  | Pedro Victor Brandão | Ricardo Cà stro  | Runo Lagomarsino  | TamÃris Spinelli  | Teresa Margolles  | Tiago Rubini  | Traplev  | Zé Carlos Garcia
Assistentes de curadoria: Aline Baiana Cavalcanti* e  EmÃlia Estrada*
*estudantes/students EAV Parque Lage
PatrocÃnio: Itau Cultural. Apoio de pesquisa: CNPq/CAPES; ECO/Universidade Federal do Rio de Janeiro
TABLOIDE-1-português/entrevista com Lisette Lagnado e Daniela Labra
TABLOIDE-1-english/Conversation between Lisette Lagnado and Daniela Labra
http://brasileiros.com.br/2016/02/exposicao-no-parque-lage-discute-nocao-de-futuro/
Quando a Casa Daros chegou no Rio, em 2007, o então diretor de arte-educação e pesquisa, o cubano Eugênio Valdés, afirmava que o projeto enfatizaria o lado pedagógico da arte, entendida como necessária para a formação e integração humana. O programa da futura instituição teria residências, intercâmbios, ateliês, cursos e seminários, além de exposições da coleção Daros Latinoamerica, o maior acervo privado de arte contemporânea latinoamericana na Europa, pertencente à milionária suÃça Ruth Schmidheiny. Diante do nosso cenário institucional pobre e engessado, a Daros seria uma instituição de alto nÃvel com programação de qualidade e oportunidades para o ensino artÃstico e a profissionalização do meio.
Durante 6 anos de reformas, a Casa Daros, sob a tutela de Valdés, fez boas atividades sócio-educativas e artÃsticas a portas fechadas, até inaugurar em 2013 com ênfase no programa de arte e educação, que envolveu e preparou bons profissinais do ramo, tendo realizado diferentes atividades públicas. Em menos de 3 anos foram realizadas algumas mostras, todas com curadoria do suÃço Hans Michel Herzog, e encerraram-se de sopetão as atividades do espaço sob argumentos do Conselho administrativo da coleção, que contradizem o discurso pedagógico do inÃcio. Ao invés de uma ação edificante, o que se viu foi um incrÃvel desinteresse repentino em investir socialmente na região que intitula a coleção: a América Latina.
Sequer a biblioteca, com 7mil tÃtulos, em parte espelhada na original suÃça, ficará. Por exigências de eficiência na catalogação e pronta visibilidade pública, o Conselho doará o acervo inestimável ao Metropolitan Museum de Nova Iorque, em um gesto de desrespeito com estudantes, artistas, pesquisadores e públicos latinoamericanos. Se a Sra. Schmidheiny desejasse, não teria problemas em montar – e por que não manter? – um pioneiro centro de referência em arte contemporânea latina no trópico. Mas isso não ocorreu e, ironia, o colégio de elite previsto para ocupar o casarão desprezou a chance de ter os livros. Assim, seguimos obrigados a recorrer aos EUA e Europa para pesquisarmos profundamente nossos processos culturais, tão marcados pela mão colonizadora.
A ótima coleção de arte, construÃda pelo curador Hans Michel Herzog, tem conjuntos de Antonio Dias, Ana Mendieta, Los Carpinteros, Luiz Camnitzer entre outros, cujas poéticas engajadas, conceituais e contundentes não têm empatia com a atitude irresponsável da Sra. Schmidheiny e seu Conselho.
Desmontada como um negócio caro, a Casa Daros não cumpriu seu papel, apesar dos esforços de todos os profissionais de alto nÃvel que estiveram envolvidos. Com a desaparição da biblioteca, em pouco tempo a luxuosa instituição será lenda urbana: uma empreitada excêntrica e colonialista, insustentável, que poderia ter gerado grandes frutos no mundo. Seu legado sócio-cultural será apagado logo, restando alguns bons eventos e exposições nem sempre boas, na memória de quem viu.
*Publicado em Jornal O Globo, Segundo Caderno, 11/12/2015.
A Caixa Cultural, no Centro do Rio, exibe a primeira individual do mineiro Marco Paulo Rolla, um nome importante para a arte brasileira contemporânea, em especial aquela que explora a interdisciplinariedade entre distintos campos artÃsticos. No caso deste artista, sua atuação variada pode ser compreendida como multimÃdia, uma vez que sua poética é construÃda sobre diversos suportes e linguagens, da escultura à performance, da pintura e desenho ao vÃdeo-registro.
“Cotidiano Radical” tem curadoria da pernambucana Cristiana Tejo, e reúne trabalhos realizados entre 1990-2005 – contando com a reencenação da performance “Café da Manhã”(2001-2015) na abertura, deixando o visitante curioso em saber quais caminhos artÃsticos foram tomados por Marco Paulo recentemente. No entanto, o conjunto apresentado é de grande beleza plástica e profundidade existencial/conceitual, sendo exibido de modo coerente e bem montado, capaz de driblar o problemático chão de pedra da galeria, muito chamativo, que frequentemente interefere no ambiente das exposições ali colocadas.
A mostra tem trabalhos raros como colagens fotografadas em preto e branco do inÃcio dos anos 90, e as pinturas e colagens sobre tela da mesma época, como “A Batedeira” (1991), de visualidade Kitsch e Pop, possuidoras da verve humorada, ácida e melancólica do artista, cuja atuação se destaca no meio da performance arte, também como curador e professor. Nas palavra da curadora, “a ambiência da obra de Marco Paulo Rolla é inspirada no barroco: cores quentes, dramaticidade, luz…”.
De fato, as obras selecionadas transmitem tanto o lado barroco da obra de Rolla como uma sensação de quase-escatologia e escárnio presentes nos registros da performance “Canibal” (2004) e nas instalações com porcelana e elementos orgânicos reais, como “Pano de Mesa” ou “Pic Nic”, ambas de 2000. Na primeira, uma realista toalha de mesa em porcelana está encharcada de vinho verdadeiro entornado desde uma taça, enquanto que na outra detalhes como cascas e restos de tangerina em porcelana disputam, sobre uma toalha também em cerâmica, a realidade da cena com cebolas reais e mais vinho – que apodrecem enquanto as esculturas permanecem frescas. Marco Paulo Rolla propõe um diálogo entre vanitas e a perenidade da matéria inerte, em esculturas constituÃdas de objetos do mundo, biscuit e alimentos como geléia, que reproduzem eventos passados cuja visualidade e temática são inspiradas nas naturezas-mortas de mestres da pintura. As peças confundem a percepção ganhando corpo no imaginário do público, e se colocam como reflexão sobre os limites da representação e da ficção na vida ou na arte. Para além de discutir os suportes e materiais que utiliza Rolla discute o tempo de duração das coisas, e estampa “uma ironia e uma crÃtica ao fetiche capitalista do consumoâ€, segundo Cristiana.
“Cotidiano Radical” comenta lÃrica e criticamente o banal das nossas rotinas cansativas e aparentemente sem sentido. A mostra é um todo coeso, com trabalhos cheio de detalhes a serem explorados. Não há excesso nem falta de assunto, trata-se de uma individual redonda, fruto de uma parceria entre uma curadora e um artista conhecidos pelo cuidado com que levam à público suas produções.
Publicado em Jornal O Globo, Segundo Caderno, Novembro de 2015.
A cidade do Rio de Janeiro é uma das capitais com mais instituições artÃsticas do paÃs, sejam elas de natureza privada-pública ou apenas pública, com portes e programações diversas, algumas com objetivos bem singulares. Em muitos bairros cariocas, centros culturais e museus pequenos em condições precárias representam o único meio de contato de milhares de habitantes com obras de arte. O Museu Bispo do Rosário de Arte Contemporânea, na Colônia Juliano Moreira, pertencente à prefeitura, é uma dessas instituições com parcos recursos e ambiciosa missão, cuja importância vai além do seu espaço expositivo. Batizado com o nome do ex-interno em 2000, 11 anos após a sua morte, o espaço abriga a obra plástica de Bispo, e é um pólo de cultura e memória único, instalado em uma região carente de opções culturais que vem sofrendo mudanças profundas com a urbanização impulsionada pelas OlimpÃadas.
Em 2002 o Museu Bispo do Rosário teve agregado “Arte Contemporânea” em seu nome e hoje estabelece parcerias externas, contando com uma reduzida equipe para desenvolver projetos que trabalhem “questões básicas sobre a importância do acervo de Bispo, o público-alvo, a acessibilidade e as articulações que Bispo pode fazer, por meio da arte, com diversos campos do saber, como a saúde mental, a psiquiatria, a antropologiaâ€, de acordo com a diretora Raquel Fernandes. Atualmente o curador e ex-diretor do Centro Cultural São Paulo, Ricardo Resende, cuida do extraordinário legado abrigado na instituição, ao mesmo tempo em que novas exposições de arte contemporânea que dialogam com o acervo e a memória da Colônia, começaram a ser desenvolvidas por curadores convidados, através de financiamentos oriundos de editais.
Assim surgiu a atual exposição em cartaz até Fevereiro de 2016, Um Canto, Dois Sertões: Bispo do Rosário e os 90 Anos da Colônia Juliano Moreira, com curadoria de Marcelo Campos. A mostra reúne 150 peças de Bispo do Rosário a outras 50 obras de dez artistas contemporâneos como Efrain Almeida, Caio Reisewitz, Marta Neves e Lin Lima, e ocupa diversos espaços do prédio que foi sede administrativa do complexo, como um antigo refeitório e o saguão de entrada. Entre peças do acervo e projetos especÃficos para a ocasião, o projeto comenta os dois universos centrais na vida de Bispo: a Colônia Juliano Moreira, em Jacarepaguá, onde viveu por cinquenta anos, e Japaratuba, em Sergipe, sua cidade natal, que seriam, na concepção de Campos, “os dois ‘sertões’ de Bispo do Rosárioâ€.
Atravessar a cidade ou a Zona Oeste para visitar o Museu e esta exposição é uma oportunidade para adentrar no universo delirante e poético de Bispo do Rosário e ver possibilidades de interação de sua obra com a produção artÃstica atual. Além disso, a visita nos faz ler um capÃtulo da história social do Brasil moderno, marcado pela exclusão e preconceito simbolizados nos antigos complexos manicomiais que se tornariam campos de concentração de doentes mentais em muitos paÃses. Embora a exposição não toque especificamente neste ponto, obras como a do baiano Willyams Martins, que recria metaforicamente a cela de Bispo do Rosário utilizando-se de decalques das paredes de pavilhões desativados na Colônia, nos dão uma dimensão do sofrimento e clausura experimentados lá. Ao mesmo tempo, é também possÃvel fazer um passeio até a cela que abrigou Bispo por anos, no pavilhão que ainda resiste, vazio, para ter ainda mais noção das tétricas experiências vividas pelos internos, cuja dor poucos conseguiram transmutar em criação artÃstica, como fez Artur Bispo.
Em meio a gentrificações e glorificação da indústria cultural, o Museu Bispo do Rosário é uma resistência. A Colônia, hoje em processo de desativação, vê sua área antes rural se tornar urbe e a paz ainda reinante ser cortada pela futura via expressa TransolÃmpica. Se os ventos do progresso são inevitáveis, que estes então ajudem este espaço cultural a se tornar mais conhecido e estruturado, dando ao legado de Artur Bispo do Rosário, exposto até na 55a Bienal de Veneza, o cuidado que merece e à população um Museu de qualidade.
Publicado em Jornal O Globo, Segundo Caderno, Outubro de 2015.
Há exatos 50 anos, entre 12 de agosto e 12 de setembro de 1965, o Bloco Escola do Museu de Arte Moderna recebia a exposição “Opinião 65”, idealizada pelo marchand Jean Boghici com a organização da crÃtica Ceres Franco. A coletiva reunia 29 artistas entre brasileiros, europeus e argentinos, incluindo jovens que representavam uma nova linha de frente estética, conceitual e polÃtica nas artes do paÃs. O evento exibia obras contestatórias viscerais como as assemblages de Antonio Dias aos 21 anos, as peças irônicas e politizadas de Rubens Gerchman e o inédito – hoje icônico – Parangolé de Hélio Oiticica, entre outros que delineavam a vanguarda de então.
Para comemorar o meio século deste acontecimento, a Pinakotheke Cultural, em Botafogo, traz a mostra “Opinião 65: 50 anos depois”, sob a curadoria de Max Perlingeiro, procurando resgatar a memória e o clima de experimentação e engajamento plástico que se instaurava no momento, em diálogo com processos artÃsticos e discussões nas artes pelo mundo, em torno de uma nova figuração. A exposição conta com 59 obras, sendo 17 trabalhos que estiveram na mostra original, e apresenta vÃdeos-documentários (um deles feito especialmente para esta ocasião) e fotografias, réplicas de manuscritos de Oiticica e textos de jornais entre outros documentos. Embora o local seja algo sofisticado demais para transmitir com contundência o ambiente de ruptura evocado em 1965, os trabalhos expostos, datados da década de 1960, se mantiveram pulsantes em sua força plástica e verve polÃtica, causando surpresa quando relembramos da censura que começava a reinar por estas praias naqueles tempos pós-Golpe Militar. Afinal, apesar de antigas, no fundo são obras de jovens artistas preocupados em discutir sua sociedade e o que entendiam como arte contemporânea há 50 anos.
Perlingeiro esteve 1 ano dedicado à pesquisa e o resultado é um conjunto de trabalhos significativos para a compreensão não apenas de um fato, mas de um momento histórico do paÃs e nossa tenra história da arte. Além dos já citados, vêem-se obras raras de Gastão Manoel Henrique, Waldemar Cordeiro, Wesley Duke Lee, Juan Genovés, Ivan Serpa e outros. A museografia traz detalhes como fragmentos de textos crÃticos da época plotados ao lado das obras, que contextualizam o modo como era recebido criticamente o artista. Estes e demais elementos dão o cenário de outrora e fazem a visita instigante, ainda que só uma parte dos trabalhos expostos tenha de fato participado de “Opinião 65”.
“Opinião 65: 50 anos depois” tem desdobramento no MAM curado por Luis Camillo Osório, com obras dos anos 1960 do acervo do Museu e da Coleção Gilberto Chateaubriand, incluindo três peças presentes no evento original. O MAM tem natural afinidade com a exposição, acolhendo em casa os bons trabalhos históricos, e a seleção traz peças bastante vistas como as de Gerchman e Roberto Magalhães, e outras potentes e menos conhecidas como “Objeto Popular” (1966), de Pedro Escosteguy. Além disso, os documentos de época, em especial crÃticas e resenhas de jornais, e uma seleção de cartazes de filmes dos anos 1960, da coleção da Cinemateca, são ponto alto. Em ambos os locais é possÃvel assistir ao breve documentário realizado pela Pinakotheke Cultural, contudo no MAM as condições acústicas são menos favoráveis. Um destaque é o filme “Vida Pública” (1967), com roteiro de Escosteguy, onde se assiste a cena e a discussão de artes de então. “Opinião 65: 50 anos depois”, em seus dois blocos, é uma mostra de cunho histórico sobre os passos da Nova Objetividade brasileira, e faz refletir acerca das relações entre arte, experimentação e engajamento ontem e hoje.
O Centro de Artes Hélio Oiticica apresenta a coletiva “Ãlbum de FamÃlia” sob curadoria de Daniella Géo, carioca radicada na Bélgica com atuação também no Brasil. Sendo mestre e doutora em Estudos Cinematográficos e Audiovisuais na França, sua expertise em fotografia e moving images marca esta exposição com mais de 20 artistas, brasileiros e estrangeiros, que trata da FamÃlia: instituição combalida que vem se transformando de acordo com todas as rupturas, contradições, injustiças e invenções que configuram o fragmentado e hiper-plural panorama pós-moderno.
Optando por uma abordagem abrangente e evitando clichês, a curadoria se distanciou tanto de discursos anacrônicos em defesa da idealizada “FamÃlia Tradicional”, como de bandeiras acerca de um suposto núcleo familiar politicamente correto. Em geral os trabalhos contam traumas, acontecimentos e decisões que marcaram vidas de sujeitos comuns, no mundo como nós, a quem não devemos cobrar explicações morais. Assim, não só de famÃlia fala a exposição, mas de memórias afetivas, ausências, paixões, abusos, fragmentações, distância e cumplicidade, entre outros assuntos tão complexos como delicados que formam os enredos de todas as existências e vÃnculos afetivos humanos.
“Ãlbum de FamÃlia” traz obras conhecidas internacionalmente como a videoinstalação em seis canais “Mother†(2005), de Candice Breitz, onde trechos de filmes hollywoodianos são apropriados para montar uma narrativa questionadora de estereótipos sobre maternidade e universo feminino. Outro destaque é o clássico video “The Passing” (1991), de Bill Viola, mestre da videoarte contemporânea que homenageou neste tocante trabalho sobre sua mãe no leito de morte.
A exposição reflete, sem julgar nem dramatizar, situações de famÃlias disfuncionais ou incompletas, que marcaram indivÃduos por eventos corriqueiros e difÃceis como abusos sexuais e violência doméstica, como exposto em obras como “Trauma”, de Gillian Wearing, onde se assistem, numa pequena cabine, relatos filmados de mulheres mascaradas, abusadas na infância por parentes. Já “Ray” (2015), filme do britânico Richard Billingham em sua primeira exibição fora do Reino Unido, revisita com atores o cotidiano de seu pai alcoólatra e mãe violenta. Em um procedimento próximo, o norte-americano Daniel W. Coburn apresenta fotografias encenadas com membros de sua famÃlia para rememorar a tenra juventude entre laços e afetos desequilibrados, longe do American Dream.
Dos brasileiros há veteranos como Anna Bella Geiger, com três obras entre 1974 e 2014 que indagam sobre diáspora, famÃlia, cultura e identidade, e mais jovens como o paulista Fabio Morais, cuja obra dialoga com a forma literária para inventar memórias, e Jonathas de Andrade com seus temas ligados ao povo do nordeste, sua história de lutas e tradições. Ao todos são nove brasileiros incluindo Rosangela Rennó, Ricardo Basbaum e Adriana Varejão, esta com “Em segredo” (2003), uma grande peça pintada em tela e resina que soa algo literal e destoa dos suportes “frios” da maioria dos trabalhos de aspecto tecnológico, mas que no entanto contribui bem ao tocar no tabu do aborto que envolve famÃlias, corpos femininos em risco, escolhas, perdas e amor.
A atmosfera da exposição é densa, e nesse “outro “álbum de famÃlia†proposto pela curadora o tema antigo é abordado com diversidade, indo do foro Ãntimo ao social, para indicar que talvez a maior certeza que paire sobre a instituição FamÃlia hoje é seu processo incontornável de reinvenção como possibilidade de convivência amorosa e construção de laços afetivos.
*Publicaod em Jornal O Globo, Segundo Caderno, 17/08/2015.
Inhotim é um complexo de arte contemporânea e paisagismo em Minas Gerais, considerado um dos mais espetaculares museus ao ar livre do mundo. Possui dezenas de pavilhões únicos com obras de expoentes artÃsticos nacionais e internacionais, rodeados por uma flora exuberante e bem-cuidada. Tudo é arte no parque de 140 hectares com mais de mil espécies de plantas, e harmônicas intervenções arquitetônicas e artÃsticas. Requintes como os bancos-troncos de Hugo França espalhados sob árvores, e um lago verde de tom artificial habitado por carpas, completam um cenário onÃrico.
Criado em 2002 pelo colecionador e empresário do minério Bernardo Paz, Inhotim surgiu para propiciar bem-estar e experiência sensÃvel a públicos de diferentes estratos sociais. Após 13 anos, o número de visitas cresce de acordo com metas próximas à s de grandes parques temáticos, e em seu cerne brotam contradições tÃpicas de nosso tempo. Mantido em boa parte pela mineração que corrói as montanhas vizinhas, Inhotim precisa orquestrar a delicada relação entre consumo de massa, indústria do entretenimento e modos de apresentar e transmitir sutis conteúdos artÃsticos sem banalizá-los como playgrounds.
Nos jardins, pessoas admiradas circulam ou fazem filas para ver algo que não reconhecem de imediato como arte, comprovando a importância de haver tais atrativos para um público em formação. Entretanto, diante de várias obras em mau estado de conservação – pelo excesso de manipulação ou por falhas técnicas – surge uma dúvida em relação à capacidade de orientação das massas nas galerias. Peças rachadas, mau-cheiro, arranhões, luzes queimadas e outros problemas, avisam que algo não vai tão bem. Sonic Pavillion, de Doug Aitken, apresentava revestimentos arrancados dos vidros e assoalho, além de defeito no áudio do “som da terra”. Já Neither, de Doris Salcedo, Beam Drop, de Chris Burden e Elevazione, de Giuseppe Penone estavam interditadas, enquanto obras como Falha, de Renata Lucas, e uma escultura em acrÃlico e espuma de sabão, de Davi Lamelas, se mostravam desconjuntadas e quebradas. O diretor artÃstico de Inhotim, Antonio Grassi, comentou atencioso que a manutenção está sempre em marcha. Contudo, o desfaio é grande, pois enquanto o público novato nas galerias insiste em tocar erroneamente as frágeis obras, os jovens monitores pareceram perdidos frente tal demanda.
Instalações como Forty Part Motet, de Janet Cardiff, têm filas para controlar o fluxo mas alongam demais a espera. Ao mesmo tempo, para almoçar nos restaurantes há mais filas. À entrada do bandejão Oiticica, uma hostess chamava nomes ao microfone e tornava desagradável a experiência de quem estivesse à mesa ou visitando o Penetrável Magic Square #5, de Hélio Oiticica, em frente. Em um momento a impressão na parte baixa do enorme parque era de saturação, embora no dia foram contabilizados 3 mil visitantes.
Inohtim, contudo, é sempre bom e sua sustentabilidade depende tanto das belezas e qualidade dos serviços, quanto da integridade da coleção de arte capaz de cativar uma massa desejosa por entretenimento diferente. Os pontos altos são muitos e maiores, e como destaque há a obra de dança e performance de Babette Mangolte (1941), na Galeria Mata, além da deslumbrante T-téia no pavilhão de Lygia Pape cuja simplicidade, poesia e leveza, distantes do barulho do espetáculo, são próximos da melhor arte para se apreciar no silêncio.
*Texto original da versão publicada em Jornal O Globo, Segundo Caderno, 17/07/2015.
