Frestas Trienal 2017: Entre pós-verdades e acontecimentos

Frestas Trienal de Artes do SESC: Entre pós-verdades e acontecimentos/ Frestas Triennial: Between post-truths and events.

SESC Sorocaba, Ṣo Paulo, Brasil. De 12.8 Р3.12.2017

Curadoria geral – Daniela Labra
Curador assistente – Yudi Rafael
Curadoria educativa – Fabio Tremonte
Curadoria editorial – Ana Maria Maia e Julia Ayerbe

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Artistas: Teresa Margolles, Maria Thereza Alves, Andre Komatsu, Raul Mourão, On Kawara, Marco Lulic, Miro Spinelli, Guerrilla Girls, Daniel Senise, Hector Zamora, Reynier Leyva Novo, Georges Rousse, Celina Portella, Rafael RG, Gervane de Paula, Sergio Zevallos, Rafael Alonso, Hito Steyerl, Sandra Monterroso, Gustavo Speridião, Wanda Pimentel, Francesca Woodman, Daria Martin, Letícia Ramos, Marcius Galan, Dias & Riedweg, NUNCA, Panmela Castro, Daniel Escobar, Daniel Lie, Yvon Chabrowski e +

Frestas Trienal 2017: Entre pós-verdades e acontecimentos

A arte fura.

Esta edição de Frestas associa o nome do evento à noção de interstício: um espaço-entre cheio de sensibilidade e potência criativa transformadora, onde a ambiguidade e a indefinição de conceitos, formas e modelos é explorada de modo poético e crítico. Enquanto o existir nas cidades parece se reduzir a dígitos numéricos em cenários homogêneos de shoppings, conglomerados e condomínios, apostamos aqui na máxima “criar é resistir”, compreendendo a prática da arte e sua fruição como singulares vias propositivas libertadoras do contexto de exaltação da produtividade, competitividade, vigilância e espetacularização da vida.

Considerando que a natureza regrada e acadêmica da arte ruiu há tempos, refletimos sobre a impossibilidade de definir Verdade na obra contemporânea, e também discutimos as narrativas políticas sustentadas por memes e populismos midiáticos amparados em discursos morais e dogmáticos, que ganham força e constituem parte do contexto que a própria arte espelha e reage.

O título da mostra veio antes do termo pós-verdade ser indicado como o mais comentado na internet em 2016. O termo não é novo e seu germe já aparece em Verdade e Política (1967), de Hannah Arendt. Recentemente, ele se tornou protagonista no comentário político internacional, impulsionado pelo afã, de grandes publicações jornalísticas em disseminar, pela rede, opiniões como fatos consistentes que rapidamente ganham status de verdades.

Já a ideia de Acontecimento refere-se à natureza de uma Trienal, e a sua definição na antropologia e filosofia: Acontecimentos, sempre temidos e esperados, como um evento climático, militar ou político, que trazem o risco de um corte irreversível com o passado, marcando transformações profundas no curso histórico e social de comunidades.

Participam da mostra artistas de diferentes nacionalidades, gerações e linguagens, cujas obras trazem questões como ambiguidades formais; transdisciplinaridade; temporalidade; performatividade; gênero e sexualidade; crítica social e artisticidade. Mais da metade dos projetos são comissionados e inéditos, e ocuparão o edifício da Unidade além de vias públicas, outras instituições, lojas e ruínas históricas, criando circuitos de experiências estéticas instigantes entre o SESC e a cidade.

Daniela Labra

Daniel Lie. Passa Logo. Intervenção na arquitetura
Vista geral com instalação de Raul Mourão.
Vista geral com instalação de Sandra Monterroso e fotografia de Edson Barrus.
Vista geral com obras de Sandra Monterroso, Raynier Leiva Novo e Rafael Alonso.
Detalhe de obra de Georges Rousse.

Todas as fotos| all pictures: Matheus José Maria

Das Virgens em Cardumes e da Cor das Auras

Das Virgens em Cardumes e da Cor das Auras (On Virgins in shoal and the Colour of the Auras) – Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea, Rio de Janeiro.  De 4.06.2016  a  31.01. 2017.

Curadoria: Daniela Labra

http://museubispodorosario.com/

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This exhibition was specially designed for the Museum Bispo do Rosário of Contemporary Art, located in the former psychiatric asylum Juliano Moreira Colony, Rio de Janeiro, and it brings together works by renowned Brazilian artists that investigates a performance or the performative, for an unusual and vigorous dialogue with the set of the work of Arthur Bispo do Rosario.
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Esta exposição foi pensada especialmente para o Museu Bispo do Rosário de Arte Contemporânea, localizado na Colônia Juliano Moreira, Rio de Janeiro, e reúne obras de artistas brasileiros de reconhecida atuação que investigam a performance ou o performativo, para um diálogo incomum e vigoroso com o conjunto da obra de Arthur Bispo do Rosário. Foram selecionadas peças da coleção da instituição que fazem refletir sobre o lado místico, sacerdotal e performático de um homem que acreditou ter se tornado mensageiro da humanidade, e tomou como missão inventariar o mundo antes do seu Fim. Peças como o Manto da Apresentação, estandartes, faixas de Miss e indumentárias bordadas e colecionadas por Bispo, são apresentadas ao lado de fotografias, vídeos e instalações que dão novas leituras sensíveis ao legado desse artista fora dos padrões do sistema da arte. O título evoca a imagem fantástica das “virgens em cardumes”, anunciada em um de seus bordados confeccionados no asilo psiquiátrico, enquanto que “da cor das auras” remete ao tempo em que o interno interpelava a cor da sua aura aos visitantes da cela/ateliê que habitou, no Pavilhão 10 da Colônia Juliano Moreira.

Das Virgens em Cardumes e da Cor das Auras tem uma programação viva e experimental. Além da mostra, diferentes espaços do Museu e da Colônia receberão, por quatro meses, ações, workshops e residências artísticas. Convocando a obra de Bispo, o projeto se coloca como um desdobramento poético e crítico das suas visões de mundo, engendradas no meio em que viveu por 50 anos, de modo intermitente, onde era regra o confinamento de corpos e a anulação de subjetividades consideradas antissociais. Mais do que obras acabadas, os artistas convidados aqui envolvem visitantes do museu, pacientes psiquiátricos, moradores da região, estudantes e demais público interessado em arte e performance contemporânea, em processos de reconhecimento da arte na vida e vice-versa, promovendo atividades e experiências estéticas que podem ser tão instigantes quanto transformadoras.

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“Azul, azul, azul e azul”. Caminhada com casaco bordado por Bispo do Rosário. Performance de Eleonora Fabião e colaboradores.
Caminhada com o Manto da Apresentação, de Bispo do Rosário. “Azul, Azul, Azul e Azul”. Performance de Eleonora Fabião e colaboradores.
“Azul, azul, azul e azul”. Caminhada com o Manto da Apresentação de Bispo do Rosário. Performance de Eleonora Fabião e colaboradores.
“Sincretismo Sincronizado”. Instalação sonora de Ricardo Siri.
“Sincretismo Sincronizado”. Instalação sonora de Ricardo Siri.
Performance de Laura Lima_Foto Wilton Montenegro
Vista geral da exposi̤̣o. Galeria 1 РT̩rreo

Depois do Futuro_ a mostra_After the Future_the show

Daniel Beerstecher
Daniel Beerstecher. Como explicar esse mundo para meu pássaro (WIE ICH MEINEM VOGEL DIE WELT ERKLÄRE).
2013. Still de video.

“Depois do Futuro” é um projeto de pesquisa que gerou seminário, cursos e uma exposição com caráter emergencial, elaborada em tempos de crise de proporções olímpicas no contexto do Rio de Janeiro e do Brasil.Os trabalhos apresentados tratam da falência institucional e do vazio político que predominam no presente brasileiro, e na realidade latino-americana, repleta de violência e injustiças desde a colonização. Ao mesmo tempo, há também proposições que elucubram questões como novos modelos de convivência, cooperação, criação e subsistência, os mesmos que na atualidade despontam pelo planeta em células apartidárias e mobilizadoras da sociedade civil. A arte se coloca, assim, como ferramenta sensível para uma percepção crítica do mundo, informando, educando e permitindo sonhar com futuros que não podem ficar para depois.

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“After the Future” is a research and exhibition project wich included a Seminar, courses and an exhibition with an emergency feature, prepared in Olympic proportions times of crisis in the context of Rio de Janeiro and Brazil. The show presents works which deals with the institutional failure and political vacuum that dominate the Brazilian present, and the Latin American reality, fulled of brutality and injustice since colonization. At the same time, there are proposals that consider issues such as new models of coexistence, cooperation, creation and subsistence, the same as today emerge around the planet in non-partisan and mobilizing cells of civil society. The art is placed thus as sensitive tool for a critical perception of the world, informing, educating and enabling to dream with futures that cannot come later.

Daniela Labra | Curadora visitante EAV Parque Lage/ Visitor curator at Parque Lage Visual Arts School

Artistas/Artists

Alice Miceli  | Amanda Copstein* | Ana Matheus Abbade* | André Queiroz* | Brenno de Castro* | Caroline Pavão* | Cristiano Lenhardt  | Daniel Beerstecher  |Daniel Escobar | Dani Ferreira*  | Emília Estrada* | Felipe Ferreira* |Fernanda Andrade* | Franz Manata e Saulo Laudares  | Gustavo Speridião  | Guto Nóbrega  | Irene de Andrés | Isis Passos* | Joana Csekö e Pedro Urano | João Paulo Racy* | Jorge Menna Barreto  | Julia Rometti | Laercio Redondo  | Lia do Rio  | Leonardo Herrera  | Manoel Manoel*  | Maria Thereza Alves  | Mariana Kaufman* | Pablo Lobato  | Pedro Victor Brandão | Ricardo Càstro  | Runo Lagomarsino  | Tamíris Spinelli  | Teresa Margolles  | Tiago Rubini  | Traplev  | Zé Carlos Garcia

Assistentes de curadoria: Aline Baiana Cavalcanti* e  Emília Estrada*

*estudantes/students EAV Parque Lage

Patrocínio: Itau Cultural. Apoio de pesquisa: CNPq/CAPES; ECO/Universidade Federal do Rio de Janeiro

TABLOIDE-1-português/entrevista com Lisette Lagnado e Daniela Labra

TABLOIDE-1-english/Conversation between Lisette Lagnado and Daniela Labra

A partir da esquerda, obras de Teresa Margolles Leonardo Herrera, Amanda Copstein e Manoel Manoel
A partir da esquerda, obras de *from the left works by) Teresa Margolles, Leonardo Herrera, Amanda Copstein e Manoel Manoel. Photo: Pedro Agilson
A  partir da esquerda, obras de Tiago Rubini, Guto Nóbrega, Franz Manata/Saulo Laudares, Runo Lagomarsino e Tamiris Spinelli
A partir da esquerda , obras de (from the left works by) Tiago Rubini, Guto Nóbrega, Franz Manata/Saulo Laudares, Runo Lagomarsino e Tamiris Spinelli. Photo: Pedro Agilson

 

Obra de Daniel Escobar
Daniel Escobar. Lançamento-Liquidação (Launch-Sale off). 2015. Photo: Pedro Agilson
Lia do Rio. Intervenção. 2010-2016. Photo: Pedro Agilson
Lia do Rio. Intervenção com folhas (intervention with natural leaves). 2011-2016. Ao fundo: Daniel Escobar. Lançamento-Liquidação (Launch-Sale off). Photo: Pedro Agilson

Links: http://oglobo.globo.com/cultura/artes-visuais/mostra-no-parque-lage-faz-reflexao-sobre-futuro-18801608

http://brasileiros.com.br/2016/02/exposicao-no-parque-lage-discute-nocao-de-futuro/

Video: http://arte1.band.uol.com.br/sobre-o-futuro/

Opinião 65: 50 anos depois

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Wesley Duke Lee. Déc. de 60. Foto: Sérgio Guerini

Há exatos 50 anos, entre 12 de agosto e 12 de setembro de 1965, o Bloco Escola do Museu de Arte Moderna recebia a exposição “Opinião 65”, idealizada pelo marchand Jean Boghici com a organização da crítica Ceres Franco. A coletiva reunia 29 artistas entre brasileiros, europeus e argentinos, incluindo jovens que representavam uma nova linha de frente estética, conceitual e política nas artes do país. O evento exibia obras contestatórias viscerais como as assemblages de Antonio Dias aos 21 anos, as peças irônicas e politizadas de Rubens Gerchman e o inédito – hoje icônico – Parangolé de Hélio Oiticica, entre outros que delineavam a vanguarda de então.

Para comemorar o meio século deste acontecimento, a Pinakotheke Cultural, em Botafogo, traz a mostra “Opinião 65: 50 anos depois”, sob a curadoria de Max Perlingeiro, procurando resgatar a memória e o clima de experimentação e engajamento plástico que se instaurava no momento, em diálogo com processos artísticos e discussões nas artes pelo mundo, em torno de uma nova figuração. A exposição conta com 59 obras, sendo 17 trabalhos que estiveram na mostra original, e apresenta vídeos-documentários (um deles feito especialmente para esta ocasião) e fotografias, réplicas de manuscritos de Oiticica e textos de jornais entre outros documentos. Embora o local seja algo sofisticado demais para transmitir com contundência o ambiente de ruptura evocado em 1965, os trabalhos expostos, datados da década de 1960, se mantiveram pulsantes em sua força plástica e verve política, causando surpresa quando relembramos da censura que começava a reinar por estas praias naqueles tempos pós-Golpe Militar. Afinal, apesar de antigas, no fundo são obras de jovens artistas preocupados em discutir sua sociedade e o que entendiam como arte contemporânea há 50 anos.

Perlingeiro esteve 1 ano dedicado à pesquisa e o resultado é um conjunto de trabalhos significativos para a compreensão não apenas de um fato, mas de um momento histórico do país e nossa tenra história da arte. Além dos já citados, vêem-se obras raras de Gastão Manoel Henrique, Waldemar Cordeiro, Wesley Duke Lee, Juan Genovés, Ivan Serpa e outros. A museografia traz detalhes como fragmentos de textos críticos da época plotados ao lado das obras, que contextualizam o modo como era recebido criticamente o artista. Estes e demais elementos dão o cenário de outrora e fazem a visita instigante, ainda que só uma parte dos trabalhos expostos tenha de fato participado de “Opinião 65”.

“Opinião 65: 50 anos depois” tem desdobramento no MAM curado por Luis Camillo Osório, com obras dos anos 1960 do acervo do Museu e da Coleção Gilberto Chateaubriand, incluindo três peças presentes no evento original. O MAM tem natural afinidade com a exposição, acolhendo em casa os bons trabalhos históricos, e a seleção traz peças bastante vistas como as de Gerchman e Roberto Magalhães, e outras potentes e menos conhecidas como “Objeto Popular” (1966), de Pedro Escosteguy. Além disso, os documentos de época, em especial críticas e resenhas de jornais, e uma seleção de cartazes de filmes dos anos 1960, da coleção da Cinemateca, são ponto alto. Em ambos os locais é possível assistir ao breve documentário realizado pela Pinakotheke Cultural, contudo no MAM as condições acústicas são menos favoráveis. Um destaque é o filme “Vida Pública” (1967), com roteiro de Escosteguy, onde se assiste a cena e a discussão de artes de então. “Opinião 65: 50 anos depois”, em seus dois blocos, é uma mostra de cunho histórico sobre os passos da Nova Objetividade brasileira, e faz refletir acerca das relações entre arte, experimentação e engajamento ontem e hoje.

Porta Estandarte de Hélio Oiticica com passista da mangueira, 1965. Arquivo Projeto HO
Bandeira-estandarte de Hélio Oiticica com passista da mangueira, 1965. Arquivo Projeto HO

 

 

Álbum de Família no CAHO, Rio de Janeiro

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Daniel Coburn. “Setting Place”, 2014.

O Centro de Artes Hélio Oiticica apresenta a coletiva “Álbum de Família” sob curadoria de Daniella Géo, carioca radicada na Bélgica com atuação também no Brasil. Sendo mestre e doutora em Estudos Cinematográficos e Audiovisuais na França, sua expertise em fotografia e moving images marca esta exposição com mais de 20 artistas, brasileiros e estrangeiros, que trata da Família: instituição combalida que vem se transformando de acordo com todas as rupturas, contradições, injustiças e invenções que configuram o fragmentado e hiper-plural panorama pós-moderno.

Optando por uma abordagem abrangente e evitando clichês, a curadoria se distanciou tanto de discursos anacrônicos em defesa da idealizada “Família Tradicional”, como de bandeiras acerca de um suposto núcleo familiar politicamente correto. Em geral os trabalhos contam traumas, acontecimentos e decisões que marcaram vidas de sujeitos comuns, no mundo como nós, a quem não devemos cobrar explicações morais. Assim, não só de família fala a exposição, mas de memórias afetivas, ausências, paixões, abusos, fragmentações, distância e cumplicidade, entre outros assuntos tão complexos como delicados que formam os enredos de todas as existências e vínculos afetivos humanos.

“Álbum de Família” traz obras conhecidas internacionalmente como a videoinstalação em seis canais “Mother” (2005), de Candice Breitz, onde trechos de filmes hollywoodianos são apropriados para montar uma narrativa questionadora de estereótipos sobre maternidade e universo feminino. Outro destaque é o clássico video “The Passing” (1991), de Bill Viola, mestre da videoarte contemporânea que homenageou neste tocante trabalho sobre sua mãe no leito de morte.

A exposição reflete, sem julgar nem dramatizar, situações de famílias disfuncionais ou incompletas, que marcaram indivíduos por eventos corriqueiros e difíceis como abusos sexuais e violência doméstica, como exposto em obras como “Trauma”, de Gillian Wearing, onde se assistem, numa pequena cabine, relatos filmados de mulheres mascaradas, abusadas na infância por parentes. Já “Ray” (2015), filme do britânico Richard Billingham em sua primeira exibição fora do Reino Unido, revisita com atores o cotidiano de seu pai alcoólatra e mãe violenta. Em um procedimento próximo, o norte-americano Daniel W. Coburn apresenta fotografias encenadas com membros de sua família para rememorar a tenra juventude entre laços e afetos desequilibrados, longe do American Dream.

Dos brasileiros há veteranos como Anna Bella Geiger, com três obras entre 1974 e 2014 que indagam sobre diáspora, família, cultura e identidade, e mais jovens como o paulista Fabio Morais, cuja obra dialoga com a forma literária para inventar memórias, e Jonathas de Andrade com seus temas ligados ao povo do nordeste, sua história de lutas e tradições. Ao todos são nove brasileiros incluindo Rosangela Rennó, Ricardo Basbaum e Adriana Varejão, esta com “Em segredo” (2003), uma grande peça pintada em tela e resina que soa algo literal e destoa dos suportes “frios” da maioria dos trabalhos de aspecto tecnológico, mas que no entanto contribui bem ao tocar no tabu do aborto que envolve famílias, corpos femininos em risco, escolhas, perdas e amor.

A atmosfera da exposição é densa, e nesse “outro “álbum de família” proposto pela curadora o tema antigo é abordado com diversidade, indo do foro íntimo ao social, para indicar que talvez a maior certeza que paire sobre a instituição Família hoje é seu processo incontornável de reinvenção como possibilidade de convivência amorosa e construção de laços afetivos.

*Publicaod em Jornal O Globo, Segundo Caderno, 17/08/2015.

Blog do projeto Travessias

A exposição Travessias – Arte Contemporânea na Maré, em seu terceiro ano de atividades, consolidou-se como um projeto de reflexão e discussão sobre a arte contemporânea e as transformações do espaço urbano na atualidade. Travessias 3 – Arte Contemporânea na Maré fica aberta ao público até o dia 16 de novembro no Galpão Bela Maré, localizado na Favela Nova Holanda, Zona Norte do Rio de Janeiro.

Com organização do artista plástico carioca Daniel Senise, a Travessias 3 reúne trabalhos inéditos e de acervo dos artistas Barrão, Dora Longo Bahia, Sandra Kogut, Mauro Restiffe, Jonathas de Andrade, Cao Guimarães, Luiz Zerbini e dos fotógrafos do Imagens do Povo, programa realizado pelo Observatório de Favelas.“ Partimos do nome do projeto, Travessias, que sugere integração, para convidar artistas cujas obras têm a possibilidade de criar relações com o local onde serão expostas.

Desde sua primeira edição o Travessias vem experimentando e aprimorando metodologias de aproximação e comunicação pelas artes visuais, em formatos de exposições diferentes uns dos outros. A sua proposta é única no panorama da arte do Brasil, sendo um laboratório estético, afetivo e sensorial aberto ao público mais diverso. Travessias acontece em uma zona de exclusão social e extrema violência urbana, e sua meta fundamental é construir olhares sensíveis e saberes múltiplos através de inciativas artísticas contemporâneas.

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Visão geral da exposição com projeção do núcleo de fotógrafos da Maré, Imagens do Povo. Imagem: Eduardo Magalhâes.

http://2014.travessias.org.br/blog/

Transnational Dialogues 2014 – Europe China Brazil

Para quem tem entre 21-35 anos:

Call for Participants to Join Transnational Dialogues 2014 – Europe China Brazil

You can now apply to join Transnational Dialogues 2014, through which you could be exposed to some of the most interesting cultural and social figures and institutions from Europe, China and Brazil, taking part in research caravans, networking activities, and working together with young creatives from the three continents.

Started in 2011 by European Alternatives, Transnational Dialogues facilitates artists, creatives, professionals, intellectuals and writers from different continents to come together for a series of exchanges and co-productions in both physical form and online. The platform promotes sharing of information, networking, and conceptual collaboration between individuals and organisations working in a variety of disciplines transnationally, and offers a trampoline for future collaborations and initiatives.

In 2014, Transnational Dialogues: Change Utopia will bring forward a specific collaboration between Europe, China and Brazil, coordinating young creatives from the three continents to reflect and create together in a year-long process of networked-production, a multilayered exchange and mix of virtual collaboration, meetings, seminars and research caravans that outline a new transnational model of cross-mediatic and cross-national production.

We are now accepting applications on a rolling basis until the places are filled or in any case no later than Friday 22nd November 2013.

http://www.transnationaldialogues.eu/news/2013/call-for-participants-to-join-transnational-dialogues-2014-europe-china-brazil/

Berna Reale ¨Vazio de Nós¨. Museu de Arte do Rio MAR

convite-virtual

http://www.museudeartedorio.org.br

Berna Reale: Vazio de Nós

Berna Reale reflete sobre o mundo e a vulnerabilidade humana. Sem ser uma jovem artista, ela há pouco vem despontando fora de Belém do Pará, onde vive e trabalha. Formada em Licenciatura em Artes, Reale é também perita criminal, atividade infiltrada no tecido social que concretizou a problemática da dicotomia centro/periferia como o tema da sua obra. Assim, ¨Vazio de Nós¨ critica as injustiças e desassistências sociais que produzem um enorme contingente de indivíduos sem sonhos, habitantes de zonas marginalizadas constituintes de uma geografia global da exclusão.

Esta individual traz ao MAR cinco performances para vídeo realizadas entre 2011 e 2013 em Belém. ¨Limite Zero¨, ¨Palomo¨, ¨Ordinário¨, ¨Soledade¨ e ¨Americano¨ são obras dedicadas às vítimas de abusos de poder; de comandos de extermínio; aos encarcerados; aos que enlouquecem na indigência social, nas ruas ou nas mãos do Estado.

¨Limite Zero¨, em analogia com o processo do abate de animais, discute a banalização da morte. Já ¨Palomo¨, comenta poeticamente o abuso de poder institucional. ¨Soledade¨, filmada em rua homônima que integra a rota do tráfico de drogas, aborda a negligencia política com os necessitados, e ¨Ordinário¨, realizada no bairro de Jurunas, traz a artista recolhendo cerca de 40 ossadas reais encontradas pela polícia em cemitérios clandestinos na área metropolitana de Belém, e denuncia ações de extermínio. Por fim, ¨Americano¨, feita no Complexo Penitenciário de Americano, em Santa Izabel do Pará, nos recorda que a tocha, símbolo antigo de purificação e conhecimento e hoje ícone Olímpico, também traz à memória rebeliões ocorridas onde se vive em situação-limite.

Esta mostra se dá em um momento ímpar da história do país e desta cidade. As manifestações desencadeadas desde junho foram recebidas pela artista e curadora como um feliz e desconcertante acaso, e reforçou nossa crença no potencial da arte como prática transformadora das consciências críticas.

Daniela Labra

This is not a Love Song – Mark Leckey ¨Fiorucci¨

Está em cartaz no Centro La Virreina em Barcelona, a exposição ¨This is not a Love Song¨, com curadoria de F. Javier Panera, cujo objetivo é traçar um paralelo entre a produção de video arte e a música Pop, desde os anos 1960 até hoje. A mostra oferece um caminho que começa com uma instalação de Andy Warhol com imagens de Velvet Underground, passando por obras seminais de video arte de Nam June Paik, Yayoi Kusama e Vito Acconci, entre outros, até chegar a artistas como AVAF, Mark Leckey e Cristian Marclay. O gran finale, no entanto, se dá com uma sala cheia de monitores exibindo videoclipes de artistas tão pop como Rihanna. O trajeto é muito rico, com poucos trabalhos que não sejam de fato interessantes, sejam como proposta estética ou registro histórico.

Um dos trabalhos que chama a atenção por ser ao mesmo tempo registro de época e experimentação de linguagem visual, é o video ¨Fiorucci Made me Hardcore¨ (1999), do inglês Mark Leckey. A obra faz uma referência clara à narrativa construída por Dan Graham em ¨Rock My Religion¨. Porém, enquanto este tenta contar uma espécie de história social do Rock and Roll em 50 minutos, o filme de Leckey tem apenas 14 minutos e narra de modo particular o desenrolar da cena underground de clubes em Londres, entre os anos 1970 e 90, cujo ápice foram as raves. O vídeo impulsionou a trajetória de Leckey até levá-lo ao Turner Prize, alguns anos depois, e aqui segue o link:

Poetics & Politics, Screening @ LOOP Barcelona

O Festival de vídeo arte LOOP, tem edição em maio este ano, em Barcelona. Abaixo, uma das mostras dentro do evento, cujo tema são vídeos de teor ativista ou de discussão crítica do momento atual. Segue uma mostra do texto curatorial e o link para o festival:

Ante nuestros ojos – Poetics & Politics, Screening @ LOOP Barcelona

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Artistas: Marco Godoy, Pelayo Varela, Teresa Margolles, Eugenio Merino, Núria Güell, Gina Arizpe, Daniel G. Andújar, Antoni Muntadas, Rogelio López Cuenca, Santiago Morilla, Santiago Cirugeda, Fernando Sánchez Castillo, PSJM, Jorge García, Rubén Verdú, Carlos Garaicoa, Rafa Burillo, Tomás Ochoa, Patricio Palomeque, Rosa Jijón, María José Argenzio, Estefanía Peñafiel Loaiza y Avelino Sala

El espectro de representación política se agota. La creación de sujetos verdaderamente libres, de izquierda a derecha , es una quimera olvidada y consumida. El exceso de información y de servicios de comunicación ahonda la separación entre realidad y simulacro instaurando la sensación de una cacofonia existencial asfixiante. Nada de lo que se presenta está , ni de lejos , a la altura de la situación. Incluso en su silencio (por exceso de ruidos) la propia población parece infinitamente más adulta que todos los títeres que se pelean por gobernarla. La crisis de representatividad y la distancia entre la ciudadanía y el estado deja al descubierto la imposición de un modelo social represivo y muestra las verdaderas estructuras de un poder que se ejerce desde una verticalidad faraónica.

Alexis Callado Estefania (miembro del colectivo Commission)