REVISTA ZUM 15
Um homem amazônico
Éder Oliveira & Daniela Labra
Publicado em: 03 de janeiro de 2019
Éder Oliveira (1983) é artista paraense. Recebeu o prêmio de arte Lingener, da Alemanha, em 2016, e o prêmio Pipa de Voto Popular em 2017.
Daniela Labra (1974) é curadora de artes visuais e crítica de arte.
Jacarandá is a portuguese-english arts magazine published in Rio de Janeiro, Brazil. Its last number was edited by critic and curator Luisa Duarte and journalist Susana Velasco. They invited different names from brazilian art milieu to present articles on the recent censorship and conservativism movement which have had attacked the contemporary arts in country since 2017. This is an actual discussion and urgent topic. Brazil is under attack in and outside the art system – and we must fight against this obscure hypocrisy.
With texts by: Suely Rolnik, Luiz Camillo Osório, Clarissa Diniz, Daniela Labra, Moacir dos Anjos, Frederico Coelho and others.
INTERNACIONALIZAÇÃO DA ARTE BRASILEIRA A PARTIR DOS ANOS 80 E A CONSTRUÇÃO DE HÉLIO OITICICA E LYGIA CLARK COMO REFERENCIAIS CANÔNICOS DESSA PRODUÇÃO ARTÍSTICA.
In: Revista Arte & Ensaios 33, 2017
https://revistas.ufrj.br/index.php/ae/article/view/11081/8690
SESC Sorocaba, São Paulo, Brasil. De 12.8 – 3.12.2017
Curadoria geral – Daniela Labra
Curador assistente – Yudi Rafael
Curadoria educativa – Fabio Tremonte
Curadoria editorial – Ana Maria Maia e Julia Ayerbe
:::::::::::::::::::::::::::::
Frestas Trienal 2017: Entre pós-verdades e acontecimentos
A arte fura.
Esta edição de Frestas associa o nome do evento à noção de interstício: um espaço-entre cheio de sensibilidade e potência criativa transformadora, onde a ambiguidade e a indefinição de conceitos, formas e modelos é explorada de modo poético e crítico. Enquanto o existir nas cidades parece se reduzir a dígitos numéricos em cenários homogêneos de shoppings, conglomerados e condomínios, apostamos aqui na máxima “criar é resistir”, compreendendo a prática da arte e sua fruição como singulares vias propositivas libertadoras do contexto de exaltação da produtividade, competitividade, vigilância e espetacularização da vida.
Considerando que a natureza regrada e acadêmica da arte ruiu há tempos, refletimos sobre a impossibilidade de definir Verdade na obra contemporânea, e também discutimos as narrativas políticas sustentadas por memes e populismos midiáticos amparados em discursos morais e dogmáticos, que ganham força e constituem parte do contexto que a própria arte espelha e reage.
O título da mostra veio antes do termo pós-verdade ser indicado como o mais comentado na internet em 2016. O termo não é novo e seu germe já aparece em Verdade e Política (1967), de Hannah Arendt. Recentemente, ele se tornou protagonista no comentário político internacional, impulsionado pelo afã, de grandes publicações jornalísticas em disseminar, pela rede, opiniões como fatos consistentes que rapidamente ganham status de verdades.
Já a ideia de Acontecimento refere-se à natureza de uma Trienal, e a sua definição na antropologia e filosofia: Acontecimentos, sempre temidos e esperados, como um evento climático, militar ou político, que trazem o risco de um corte irreversível com o passado, marcando transformações profundas no curso histórico e social de comunidades.
Participam da mostra artistas de diferentes nacionalidades, gerações e linguagens, cujas obras trazem questões como ambiguidades formais; transdisciplinaridade; temporalidade; performatividade; gênero e sexualidade; crítica social e artisticidade. Mais da metade dos projetos são comissionados e inéditos, e ocuparão o edifício da Unidade além de vias públicas, outras instituições, lojas e ruínas históricas, criando circuitos de experiências estéticas instigantes entre o SESC e a cidade.
Daniela Labra
Todas as fotos| all pictures: Matheus José Maria
Das Virgens em Cardumes e da Cor das Auras (On Virgins in shoal and the Colour of the Auras) – Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea, Rio de Janeiro. De 4.06.2016 a 31.01. 2017.
Curadoria: Daniela Labra
http://museubispodorosario.com/
This exhibition was specially designed for the Museum Bispo do Rosário of Contemporary Art, located in the former psychiatric asylum Juliano Moreira Colony, Rio de Janeiro, and it brings together works by renowned Brazilian artists that investigates a performance or the performative, for an unusual and vigorous dialogue with the set of the work of Arthur Bispo do Rosario.
Virgins_Folder in English PDF
Esta exposição foi pensada especialmente para o Museu Bispo do Rosário de Arte Contemporânea, localizado na Colônia Juliano Moreira, Rio de Janeiro, e reúne obras de artistas brasileiros de reconhecida atuação que investigam a performance ou o performativo, para um diálogo incomum e vigoroso com o conjunto da obra de Arthur Bispo do Rosário. Foram selecionadas peças da coleção da instituição que fazem refletir sobre o lado místico, sacerdotal e performático de um homem que acreditou ter se tornado mensageiro da humanidade, e tomou como missão inventariar o mundo antes do seu Fim. Peças como o Manto da Apresentação, estandartes, faixas de Miss e indumentárias bordadas e colecionadas por Bispo, são apresentadas ao lado de fotografias, vídeos e instalações que dão novas leituras sensíveis ao legado desse artista fora dos padrões do sistema da arte. O título evoca a imagem fantástica das “virgens em cardumes”, anunciada em um de seus bordados confeccionados no asilo psiquiátrico, enquanto que “da cor das auras” remete ao tempo em que o interno interpelava a cor da sua aura aos visitantes da cela/ateliê que habitou, no Pavilhão 10 da Colônia Juliano Moreira. 
Das Virgens em Cardumes e da Cor das Auras tem uma programação viva e experimental. Além da mostra, diferentes espaços do Museu e da Colônia receberão, por quatro meses, ações, workshops e residências artísticas. Convocando a obra de Bispo, o projeto se coloca como um desdobramento poético e crítico das suas visões de mundo, engendradas no meio em que viveu por 50 anos, de modo intermitente, onde era regra o confinamento de corpos e a anulação de subjetividades consideradas antissociais. Mais do que obras acabadas, os artistas convidados aqui envolvem visitantes do museu, pacientes psiquiátricos, moradores da região, estudantes e demais público interessado em arte e performance contemporânea, em processos de reconhecimento da arte na vida e vice-versa, promovendo atividades e experiências estéticas que podem ser tão instigantes quanto transformadoras.
Daniel Beerstecher. Como explicar esse mundo para meu pássaro (WIE ICH MEINEM VOGEL DIE WELT ERKLÄRE).
2013. Still de video.
“Depois do Futuro” é um projeto de pesquisa que gerou seminário, cursos e uma exposição com caráter emergencial, elaborada em tempos de crise de proporções olímpicas no contexto do Rio de Janeiro e do Brasil.Os trabalhos apresentados tratam da falência institucional e do vazio político que predominam no presente brasileiro, e na realidade latino-americana, repleta de violência e injustiças desde a colonização. Ao mesmo tempo, há também proposições que elucubram questões como novos modelos de convivência, cooperação, criação e subsistência, os mesmos que na atualidade despontam pelo planeta em células apartidárias e mobilizadoras da sociedade civil. A arte se coloca, assim, como ferramenta sensível para uma percepção crítica do mundo, informando, educando e permitindo sonhar com futuros que não podem ficar para depois.
//
“After the Future” is a research and exhibition project wich included a Seminar, courses and an exhibition with an emergency feature, prepared in Olympic proportions times of crisis in the context of Rio de Janeiro and Brazil. The show presents works which deals with the institutional failure and political vacuum that dominate the Brazilian present, and the Latin American reality, fulled of brutality and injustice since colonization. At the same time, there are proposals that consider issues such as new models of coexistence, cooperation, creation and subsistence, the same as today emerge around the planet in non-partisan and mobilizing cells of civil society. The art is placed thus as sensitive tool for a critical perception of the world, informing, educating and enabling to dream with futures that cannot come later.
Daniela Labra | Curadora visitante EAV Parque Lage/ Visitor curator at Parque Lage Visual Arts School
Artistas/Artists
Alice Miceli | Amanda Copstein* | Ana Matheus Abbade* | André Queiroz* | Brenno de Castro* | Caroline Pavão* | Cristiano Lenhardt | Daniel Beerstecher |Daniel Escobar | Dani Ferreira* | Emília Estrada* | Felipe Ferreira* |Fernanda Andrade* | Franz Manata e Saulo Laudares | Gustavo Speridião | Guto Nóbrega | Irene de Andrés | Isis Passos* | Joana Csekö e Pedro Urano | João Paulo Racy* | Jorge Menna Barreto | Julia Rometti | Laercio Redondo | Lia do Rio | Leonardo Herrera | Manoel Manoel* | Maria Thereza Alves | Mariana Kaufman* | Pablo Lobato | Pedro Victor Brandão | Ricardo Càstro | Runo Lagomarsino | Tamíris Spinelli | Teresa Margolles | Tiago Rubini | Traplev | Zé Carlos Garcia
Assistentes de curadoria: Aline Baiana Cavalcanti* e Emília Estrada*
*estudantes/students EAV Parque Lage
Patrocínio: Itau Cultural. Apoio de pesquisa: CNPq/CAPES; ECO/Universidade Federal do Rio de Janeiro
TABLOIDE-1-português/entrevista com Lisette Lagnado e Daniela Labra
TABLOIDE-1-english/Conversation between Lisette Lagnado and Daniela Labra
http://brasileiros.com.br/2016/02/exposicao-no-parque-lage-discute-nocao-de-futuro/
Quando a Casa Daros chegou no Rio, em 2007, o então diretor de arte-educação e pesquisa, o cubano Eugênio Valdés, afirmava que o projeto enfatizaria o lado pedagógico da arte, entendida como necessária para a formação e integração humana. O programa da futura instituição teria residências, intercâmbios, ateliês, cursos e seminários, além de exposições da coleção Daros Latinoamerica, o maior acervo privado de arte contemporânea latinoamericana na Europa, pertencente à milionária suíça Ruth Schmidheiny. Diante do nosso cenário institucional pobre e engessado, a Daros seria uma instituição de alto nível com programação de qualidade e oportunidades para o ensino artístico e a profissionalização do meio.
Durante 6 anos de reformas, a Casa Daros, sob a tutela de Valdés, fez boas atividades sócio-educativas e artísticas a portas fechadas, até inaugurar em 2013 com ênfase no programa de arte e educação, que envolveu e preparou bons profissinais do ramo, tendo realizado diferentes atividades públicas. Em menos de 3 anos foram realizadas algumas mostras, todas com curadoria do suíço Hans Michel Herzog, e encerraram-se de sopetão as atividades do espaço sob argumentos do Conselho administrativo da coleção, que contradizem o discurso pedagógico do início. Ao invés de uma ação edificante, o que se viu foi um incrível desinteresse repentino em investir socialmente na região que intitula a coleção: a América Latina.
Sequer a biblioteca, com 7mil títulos, em parte espelhada na original suíça, ficará. Por exigências de eficiência na catalogação e pronta visibilidade pública, o Conselho doará o acervo inestimável ao Metropolitan Museum de Nova Iorque, em um gesto de desrespeito com estudantes, artistas, pesquisadores e públicos latinoamericanos. Se a Sra. Schmidheiny desejasse, não teria problemas em montar – e por que não manter? – um pioneiro centro de referência em arte contemporânea latina no trópico. Mas isso não ocorreu e, ironia, o colégio de elite previsto para ocupar o casarão desprezou a chance de ter os livros. Assim, seguimos obrigados a recorrer aos EUA e Europa para pesquisarmos profundamente nossos processos culturais, tão marcados pela mão colonizadora.
A ótima coleção de arte, construída pelo curador Hans Michel Herzog, tem conjuntos de Antonio Dias, Ana Mendieta, Los Carpinteros, Luiz Camnitzer entre outros, cujas poéticas engajadas, conceituais e contundentes não têm empatia com a atitude irresponsável da Sra. Schmidheiny e seu Conselho.
Desmontada como um negócio caro, a Casa Daros não cumpriu seu papel, apesar dos esforços de todos os profissionais de alto nível que estiveram envolvidos. Com a desaparição da biblioteca, em pouco tempo a luxuosa instituição será lenda urbana: uma empreitada excêntrica e colonialista, insustentável, que poderia ter gerado grandes frutos no mundo. Seu legado sócio-cultural será apagado logo, restando alguns bons eventos e exposições nem sempre boas, na memória de quem viu.
*Publicado em Jornal O Globo, Segundo Caderno, 11/12/2015.
A Caixa Cultural, no Centro do Rio, exibe a primeira individual do mineiro Marco Paulo Rolla, um nome importante para a arte brasileira contemporânea, em especial aquela que explora a interdisciplinariedade entre distintos campos artísticos. No caso deste artista, sua atuação variada pode ser compreendida como multimídia, uma vez que sua poética é construída sobre diversos suportes e linguagens, da escultura à performance, da pintura e desenho ao vídeo-registro.
“Cotidiano Radical” tem curadoria da pernambucana Cristiana Tejo, e reúne trabalhos realizados entre 1990-2005 – contando com a reencenação da performance “Café da Manhã”(2001-2015) na abertura, deixando o visitante curioso em saber quais caminhos artísticos foram tomados por Marco Paulo recentemente. No entanto, o conjunto apresentado é de grande beleza plástica e profundidade existencial/conceitual, sendo exibido de modo coerente e bem montado, capaz de driblar o problemático chão de pedra da galeria, muito chamativo, que frequentemente interefere no ambiente das exposições ali colocadas.
A mostra tem trabalhos raros como colagens fotografadas em preto e branco do início dos anos 90, e as pinturas e colagens sobre tela da mesma época, como “A Batedeira” (1991), de visualidade Kitsch e Pop, possuidoras da verve humorada, ácida e melancólica do artista, cuja atuação se destaca no meio da performance arte, também como curador e professor. Nas palavra da curadora, “a ambiência da obra de Marco Paulo Rolla é inspirada no barroco: cores quentes, dramaticidade, luz…”.
De fato, as obras selecionadas transmitem tanto o lado barroco da obra de Rolla como uma sensação de quase-escatologia e escárnio presentes nos registros da performance “Canibal” (2004) e nas instalações com porcelana e elementos orgânicos reais, como “Pano de Mesa” ou “Pic Nic”, ambas de 2000. Na primeira, uma realista toalha de mesa em porcelana está encharcada de vinho verdadeiro entornado desde uma taça, enquanto que na outra detalhes como cascas e restos de tangerina em porcelana disputam, sobre uma toalha também em cerâmica, a realidade da cena com cebolas reais e mais vinho – que apodrecem enquanto as esculturas permanecem frescas. Marco Paulo Rolla propõe um diálogo entre vanitas e a perenidade da matéria inerte, em esculturas constituídas de objetos do mundo, biscuit e alimentos como geléia, que reproduzem eventos passados cuja visualidade e temática são inspiradas nas naturezas-mortas de mestres da pintura. As peças confundem a percepção ganhando corpo no imaginário do público, e se colocam como reflexão sobre os limites da representação e da ficção na vida ou na arte. Para além de discutir os suportes e materiais que utiliza Rolla discute o tempo de duração das coisas, e estampa “uma ironia e uma crítica ao fetiche capitalista do consumo”, segundo Cristiana.
“Cotidiano Radical” comenta lírica e criticamente o banal das nossas rotinas cansativas e aparentemente sem sentido. A mostra é um todo coeso, com trabalhos cheio de detalhes a serem explorados. Não há excesso nem falta de assunto, trata-se de uma individual redonda, fruto de uma parceria entre uma curadora e um artista conhecidos pelo cuidado com que levam à público suas produções.
Publicado em Jornal O Globo, Segundo Caderno, Novembro de 2015.
A cidade do Rio de Janeiro é uma das capitais com mais instituições artísticas do país, sejam elas de natureza privada-pública ou apenas pública, com portes e programações diversas, algumas com objetivos bem singulares. Em muitos bairros cariocas, centros culturais e museus pequenos em condições precárias representam o único meio de contato de milhares de habitantes com obras de arte. O Museu Bispo do Rosário de Arte Contemporânea, na Colônia Juliano Moreira, pertencente à prefeitura, é uma dessas instituições com parcos recursos e ambiciosa missão, cuja importância vai além do seu espaço expositivo. Batizado com o nome do ex-interno em 2000, 11 anos após a sua morte, o espaço abriga a obra plástica de Bispo, e é um pólo de cultura e memória único, instalado em uma região carente de opções culturais que vem sofrendo mudanças profundas com a urbanização impulsionada pelas Olimpíadas.
Em 2002 o Museu Bispo do Rosário teve agregado “Arte Contemporânea” em seu nome e hoje estabelece parcerias externas, contando com uma reduzida equipe para desenvolver projetos que trabalhem “questões básicas sobre a importância do acervo de Bispo, o público-alvo, a acessibilidade e as articulações que Bispo pode fazer, por meio da arte, com diversos campos do saber, como a saúde mental, a psiquiatria, a antropologia”, de acordo com a diretora Raquel Fernandes. Atualmente o curador e ex-diretor do Centro Cultural São Paulo, Ricardo Resende, cuida do extraordinário legado abrigado na instituição, ao mesmo tempo em que novas exposições de arte contemporânea que dialogam com o acervo e a memória da Colônia, começaram a ser desenvolvidas por curadores convidados, através de financiamentos oriundos de editais.
Assim surgiu a atual exposição em cartaz até Fevereiro de 2016, Um Canto, Dois Sertões: Bispo do Rosário e os 90 Anos da Colônia Juliano Moreira, com curadoria de Marcelo Campos. A mostra reúne 150 peças de Bispo do Rosário a outras 50 obras de dez artistas contemporâneos como Efrain Almeida, Caio Reisewitz, Marta Neves e Lin Lima, e ocupa diversos espaços do prédio que foi sede administrativa do complexo, como um antigo refeitório e o saguão de entrada. Entre peças do acervo e projetos específicos para a ocasião, o projeto comenta os dois universos centrais na vida de Bispo: a Colônia Juliano Moreira, em Jacarepaguá, onde viveu por cinquenta anos, e Japaratuba, em Sergipe, sua cidade natal, que seriam, na concepção de Campos, “os dois ‘sertões’ de Bispo do Rosário”.
Atravessar a cidade ou a Zona Oeste para visitar o Museu e esta exposição é uma oportunidade para adentrar no universo delirante e poético de Bispo do Rosário e ver possibilidades de interação de sua obra com a produção artística atual. Além disso, a visita nos faz ler um capítulo da história social do Brasil moderno, marcado pela exclusão e preconceito simbolizados nos antigos complexos manicomiais que se tornariam campos de concentração de doentes mentais em muitos países. Embora a exposição não toque especificamente neste ponto, obras como a do baiano Willyams Martins, que recria metaforicamente a cela de Bispo do Rosário utilizando-se de decalques das paredes de pavilhões desativados na Colônia, nos dão uma dimensão do sofrimento e clausura experimentados lá. Ao mesmo tempo, é também possível fazer um passeio até a cela que abrigou Bispo por anos, no pavilhão que ainda resiste, vazio, para ter ainda mais noção das tétricas experiências vividas pelos internos, cuja dor poucos conseguiram transmutar em criação artística, como fez Artur Bispo.
Em meio a gentrificações e glorificação da indústria cultural, o Museu Bispo do Rosário é uma resistência. A Colônia, hoje em processo de desativação, vê sua área antes rural se tornar urbe e a paz ainda reinante ser cortada pela futura via expressa Transolímpica. Se os ventos do progresso são inevitáveis, que estes então ajudem este espaço cultural a se tornar mais conhecido e estruturado, dando ao legado de Artur Bispo do Rosário, exposto até na 55a Bienal de Veneza, o cuidado que merece e à população um Museu de qualidade.
Publicado em Jornal O Globo, Segundo Caderno, Outubro de 2015.
