Mike Kelley foi um artista importante de sua geração, tendo começado a despontar nos Estados Unidos no final da década de 1970. Sua obra surpreendia com uma simplicidade e “tosquidão” que, caso fosse brasileiro, imediatamente o fariam ser identificado, por aqui, com uma certa tradição precária, relacionada à própria precariedade do nosso meio social. Mas Kelley era de Michigan, Estados Unidos, país que não quer saber do precário. Em sua trajetória, acompanhou o movimento punk e a decadência e re-ascendência de Nova York com seus armazéns abandonados, crimes e pixadores vandalizando tudo. Kelley foi da geração pré MTV que viu o Pop retornar com força nas artes, aclamado por um mercado que engoradava e crescia, especialmente em seu país. Kelley parecia cagar e andar. Mas estava em todas, parecendo dar de ombros para a maioria. Suas obras, que podiam ser bonecos estofados, tapeçarias de crochê, esculturas de panos, fibra de vidro, vídeos de narrativas não-lineares, entre muitas outras coisas, eram feias, amorais, amorfas, politicamente de saco cheio, entediantes, bizarras até. Mas, por tudo isso, eram intrigantes demais, pois pareciam também ser um escárnio da própria cultura de massa, do consumo, da mídia que esconde a feiúra do mundo quando aquilo não reverte em audiência. Suas obras eram críticas na forma, e não eram panfletárias tentativas de rebeldia. Longe disso. Pois Mike Kelley, no seu aparentemente desestruturado armamento artístico, era denso e lúcido.
Convocatória para Residência Artística Paraguay AAA 2012 – inscrições de 12/12/11 a 15/02/12
Com o apoio do Centro Cultural de Espanha de São Paulo, Planta Alta Residência/Resistencia de Paraguai, Casa 13 de Argentina, JA.CA – Jardim Canadá Centro de Arte de Brasil e la Fundación de Arte Contemporáneo de Uruguai, convocam a artistas para uma residência de criação em Paraguai no mês de abril de 2012.
A convocatória está dirigida a artistas interesados em desenvolver um projeto interdiscilplinário com a temática da Guerra do Paraguai/ Triple Alianza e busca que os artistas desenvolvam seus projetos, ao mesmo tempo que se integram do contexto multicultural do grupo, com o fim de produzir quatro “diários de viagem” e uma exposição em Asunción.
A residência contempla quatro etapas, as primeiras três de investigação e desenvolvimento do projeto nos antigos campos de batalha, e a última de finalização e mostra dos resultados em uma exposição, completando assim, um mês de residência.
Este edital seleciona 04 residentes (01 de cada país) que incluem passagens, alojamento, tours e uma ajuda de custo de US$ 420.
1. Somente poderão participar artistas maiores de idade nascidos na Argentina, Brasil, Paraguai e Uruguai
2. O dossiê de inscrição deve ser enviado em cópia impressa, juntamente com o formulário impresso e assinado, por correio para o endereço:
JA.CA – Jardim Canadá Centro de Arte e Tecnología
Inscrição AAA
Rua Santa Rita Durão 321/305 – Savassi
Belo Horizonte MG
CEP: 30140-110
3. O formulário de inscrição completo também deve ser entregue (em PDF) por correo electrónico: info@jacaarte.org , com o seguinte texto no assunto do email: Residência AAA inscrição.
Para mais informações, regulamento e inscrição: www.jacaarte.org
Apesar do episódio da censura de Nan Goldin no Rio de Janeiro ter acalmado, as palavras da artista refletem sobre um mundo em desvio para a direita, apoiado por muito capital. E a arte? Parece que lhe estão impondo que se adeque às regras…
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Fotógrafa Nan Goldin, que teve mostra vetada pelo Oi Futuro, no Rio, fala sobre os limites da arte e o perigo representado pela ingerência do mercado no que é exibido
30 de novembro de 2011 | 20h 22
Roberta Pennafort/RIO
A fotógrafa norte-americana Nan Goldin já não sabe mais se vem ao Brasil no início de 2012 para aquela que será sua maior exposição por aqui. Está chocada com o veto do Oi Futuro, instituição que patrocina a mostra (agora transferida para o Museu de Arte Moderna da cidade), a fotos que mostram crianças “num ambiente acolhedor e amoroso” e que integram sua famosa série “A Balada da Dependência Sexual”, iniciada em 1976.
Nan Goldin disse estar chocada com o veto do Oi Futuro. A polêmica, reverberada por artistas e críticos no Facebook, se centrou nas imagens de crianças na cama com os pais, que estão sem roupa e se acariciam.
Em entrevista ontem à tarde, de Paris, por telefone, a artista foi além: falou dos limites da arte, do perigo de seu controle pelo mercado e de sua percepção do presente e do futuro.
O veto à sua mostra está tendo grande repercussão na comunidade artística do Brasil. Um dos pontos levantados diz respeito à ingerência das empresas privadas em questões artísticas. Você considera isso perigoso?
É perigoso. As grandes empresas são conservadoras por natureza. A política delas não é a mesma que nós artistas apoiamos. Em muitos países exposições são, em sua maior parte, financiadas por essas grandes empresas, o que pode ser um problema. É responsabilidade do artista lutar contra qualquer pressão que possa limitar sua liberdade de expressão. A censura começou a se tornar um problema enorme no fim dos anos 80, com Robert Mapplethorpe e Andres Serrano (artistas que enfrentaram problemas de financiamento por trabalharem com imagens consideradas indecentes). Foi aí que ficou claro que os que tinham o dinheiro tinham o poder de controlar o que estava sendo mostrado.
Então qual seria a solução?
Depois que a conscientização cresceu, por conta desses dois casos, os artistas se tornaram mais ativos politicamente, forçando museus a mudar os programas que excluíam pessoas de cor, mulheres e gays. Eu, por exemplo, me recusei a assinar um compromisso em Nova York em 1989 de não fotografar mais os gays e de não fazer qualquer tipo de trabalho voltado à sexualidade. Com isso, não recebi financiamento.
Por que razão, mais de 20 anos depois de sua primeira exibição, “A Balada” ainda provoca reações fortes assim, na sua opinião?
Mas não provoca, em lugar algum. Não tenho esse problema há muitos anos. O trabalho já foi aceito como uma obra de arte importante. Outras coisas aconteceram e eu fui censurada, mas “A Balada”, não.
Como você reagiu ao que houve agora no Oi Futuro?
Fiquei chocada. O Brasil é percebido como um país socialmente livre, de pessoas sem problemas com o corpo, então foi chocante.
Você pensa em não vir mais?
Penso. Ainda não decidi, não posso responder. O apoio da comunidade artística brasileira me tocou, e isso me dá vontade de ir. O que eu sei é que a exposição vai acontecer, em fevereiro. Iria em janeiro, mas não sei como me sinto sobre isso tudo.
O cancelamento suscitou a discussão sobre as fronteiras da arte. Essa questão ainda se justifica, a seu ver?
A arte deve empurrar as fronteiras, essa é a sua natureza, é uma das razões pelas quais a arte precisa existir. O papel da arte é questionar, seja ela conceitual, experimental ou política. Tem que ser radical, seja questionando a sociedade, a diferença de gêneros. Não deveria ser limitada por fontes de financiamento nem pelo mercado, nem ter de pensar no status quo. Mas tudo é limitado pela questão do dinheiro. Não é o que a arte deve ser. Se a arte é controlada pelo mercado, como parece ter sido o caso, ela se compromete, e isso tira sua integridade.
As fotos com as crianças são consideradas problemáticas, porque feririam o Estatuto da Criança e a Adolescente do Brasil. Ninguém me explicou até agora: do que trata a legislação?
É uma lei protetiva específica, que existe há 20 anos e que proíbe a exposição de menores a cenas tidas como pornográficas.
Uau, eu não sabia… Essa lei funciona? Numa sociedade com tantas crianças na rua, que têm de fazer de tudo para sobreviver? Eu já fui ao Brasil três vezes. Soube que houve um massacre pela polícia quando as crianças dormiam (chacina da Candelária, em 1993). Elas não estão recebendo apoio. Alguns artistas apoiam, como Carlinhos Brown, com seu projeto com música. Não faz qualquer sentido. Estão criando problema com fotos de crianças que são filhos de amigos meus há 20 anos, que estão num ambiente acolhedor e amoroso, onde há sexualidade, enquanto há crianças na rua, se prostituindo e fumando crack. Qual é o problema mais sério? Ninguém pode apontar uma foto minha em que a criança não sabia que estava sendo fotografada, ou que esteja sofrendo abuso.
Como você vê essas fotos hoje, que relação afetiva tem com estas imagens?
As pessoas retratadas se orgulham de fazer parte de “A Balada”. As crianças que hoje são adultas não se arrependem. Nenhuma delas. Uma ou outra pessoa se incomoda ao ver seu passado mostrado, e nesse caso não incluo mais no slide show. Antes de um livro, ligo para todos os que ainda estão vivos (vários morreram em decorrência da epidemia de Aids dos anos 80) para ter certeza de que eles querem estar no livro. A minha integridade é uma das coisas mais fortes da minha vida e no meu trabalho. É muito fácil explorar pessoas com a fotografia.
Para você, o que significa este episódio?
O mundo está regredindo. A tecnologia está tirando das pessoas as emoções reais. Não sei como isso se reflete nessa situação, mas vejo que o mundo é totalmente diferente daquele em que eu cresci. Que bom que eu estava viva nos anos 60, 70 e 80, porque isso significa que eu não cresci orientada por um computador.
Nas redes sociais, questiona-se o uso do termo “censura”.
Em inglês, a palavra é essa. Talvez não o seja no contexto brasileiro, ou da Argentina ou da Espanha, que tiveram ditaduras, talvez pareça exagerado. Mas para mim, que venho de uma sociedade supostamente livre e democrática, a palavra é exatamente essa. As pessoas estão olhando preto no branco, não estão vendo as nuances dessa história, o que é perigoso.
Os artistas estão ironizando o fato de o “censor” se chamar Oi Futuro.
É um pouco assustador. O futuro já parecia ruim o suficiente.
* Final feliz mas nem por isso isenta-se de reflexão o ocorrido: a exposição de Nan Goldin vai acontecer no mam-rj, com abertura em 13/02/2012 e patrocínio do Oi Futuro – porém ainda assim mantemos o texto abaixo pois o momento da cultura no Brasil merece ser discutido.
No Brasil da tecnocracia Dílmica, cada vez mais observamos projetos de arte patrocinados por grandes corporações, que por meio de descontos fiscais de leis de incentivo à cultura realizam exposições em nome da arte e de seu marketing. Isso poderia não ser de todo um problema não fosse o fato de que o investimento em artes tem sido mais e mais instrumentalizado e direcionado a projetos espetaculosos e acríticos, que evitem manchar o nome da instituição e também não venham a ferir o público. E o que seria exatamente este “ferir”?
Observamos que o espectador consumidor de produtos culturais vem sendo tratado de modo infantilizado, submetido a regras padronizantes que simplesmente esterilizam de ante-mão o que a arte tem como maior potência: a possibilidade de gerar reflexão crítica e discursos sobre o mundo controverso que habitamos.
Dentro dessa perspectiva esterilizante, o Oi Futuro, no Rio de Janeiro, instituição dedicada a projetos educativos e sem fins lucrativos (também pudera, a empresa mantenedora lucra com telefonia e tem isenção fiscal quando investe em cultura), acaba de vetar uma exposição de uma das artistas mais interessantes do final do Século XX, que é a fotógrafa Nan Goldin. A mostra iria acontecer em Janeiro de 2012, e sua supensão deveu-se ao temor de que a artista expusesse fotos de crianças junto a imagens de adultos em situações-limite.
Um jornalista me contou que a instituição havia vetado imagens de crianças nuas em princípio, e que a artista acatou. Porém, a censura se fez quando foi exigido que fotos de crianças vestidas também não integrassem a mostra. Diante disso, a perspicaz Nan Goldin sugeriu então colocar tarjas pretas sobre todas as fotos expostas, explicitando assim a ação censora institucional. Esta sugestão desagradou ao Oi Futuro que suspendeu a exposição.
A curadora independente e responsável pelo projeto, Ligia Canongia, afirmou em carta aberta que os curadores da instituição desconheciam o trabalho de Nan Goldin e que, ao verem as imagens duras – e humanas – da fotógrafa retiraram o projeto da agenda. Não ficou claro, no entanto, se o patrocínio também seria suspenso.
De certo, não conferi pessoalmente os fatos com o centro cultural, mas os jornais divulgaram tal versão hoje. De qualquer modo, houve um adiamento da exposição de Nan, aparentemente em nome de uma moral e de bons constumes que estão prá lá de abalados e caducos na contemporaneidade, o que só nos faz rir e lamentar este papelão.
O ocorrido nos leva a pensar realmente sobre a idiotização do público, a quem lhe é negado o direito de opinar e discutir algo que pode ser ou não polêmico. Em nome dessa certa ética e moral em franca crise, o indivíduo não tem mais livre arbítrio para decidir o que deseja apreciar ou não. Os poderes do capital e do Estado normatizam a vida privada e a saída parece ser mesmo afiliar-se a uma Igreja pentecostal e esperar a salvação do Messias com seu saco de presentes, pois pensar criticamente não é mais possível.
Na cidade que sofre uma reforma brutal para receber espetáculos desportistas em breve, e onde o custo de vida tornou-se estratosférico, notamos que a alienação é a melhor parte do jogo para os investidores. A maquiagem carioca não consegue lidar com os conflitos e crises da contemporaneidade, preferindo primeiro fazer calar.
Nan Goldin, que já expôs nas mais importantes instituições e mostras do mundo, não tem espaço nesta cidade onde o caos e a arbitrariedade imperam, posto que suas imagens são “chocantes”. Pois eu prefiro o choque da arte ao choque imposto pela ignorânica e a hipocrisia.
Viva Nan Goldin! Viva a humanidade de seus retratos dos excomungados pela “sociedade de bem” que se nega a ver beleza onde em princípio so há feiúra e decadência.
O ser humano é lindo mesmo em sua solidão e desespero. Essa é a mensagem de Nan.
No dia 26/11/2012 inaugura “Travessias”, o primeiro evento do centro de artes visuais Bela Maré, localizado no Complexo da Maré, Rio de Janeiro. O projeto é único em sua natureza e intenciona promover diálogos e experiências a partir de obras, ações e intervenções de artistas contemporâneos de reconhecida atuação no Brasil.
De 26 de Novembro às 17:00 a 18 de Dezembro de 2011
Local: Galpão Bela Maré. Rua Bitencourt Sampaio, 169 (entre as passarelas 9 e 10 da Av. Brasil), Rio de Janeiro. Entrada Franca.
O evento inclui uma série de atividades com curadoria de Daniela Labra, Frederico Coelho e Luisa Duarte como exposição, intervenções urbanas, exibição de vídeos, performances, oficinas, palestras e festas.
Artistas: Andre Komatsu, AVAF, Henrique Oliveira, Lucia Koch, Luiz Zerbini, Marcelo Cidade, Marcos Chaves, Matheus Rocha Pitta, Raul Mourão, Ricardo Carioba, Rochelle Costi, Alexandre Sá, Filé de Peixe, Michel Groisman, Davi Marcos e Coletivo Pandilla Fotográfica.
A abertura acontece às 17horas com bate papo com os curadores seguido de uma grande festa às 19horas no local. A entrada é franca.
Veja a programação de oficinas e palestras, além de dicas de como chegar no galpão Bela Maré aqui mesmo:
No instigante Seminário Internacional “Reconfigurações do Público”, realizado no MAM Rio na semana que passou, ouvimos a apresentação de Oscar Muñoz, idealizador e diretor do espaço independente Lugar a Dudas, que fica em Cali, Colômbia .
Trata-se de um local aberto à aquilo que a Arte Contemporânea mais suscita e clama: a dúvida. O espaço foi criado em um bairro decadente numa casa deteriorada que sofreu várias reformas e hoje abriga este ponto de referência em pesquisa de projetos experimentais sobre arte contemporânea na América Latina.
O Lugar a Dudas promove exposições, workshops, cursos, publicações e residências para artistas e curadores, entre outras iniciativas.
Um de seus projetos é o Fotocopioteca, que disponibilza textos curtos em publicações de xerox, como a que está abaixo, com traduções de voluntários e ao preço da xerox. No site é possível baixar os mesmos textos em PDF, de graça.
Em cartaz na Galeria Laura Marsiaj, Rio de Janeiro, a primeira individual do artista paulistano Thiago Honório, cujo trabalho se apóia em pesquisa e processo – e não na busca do objeto perfeito para a tiragem seriada…
Abaixo, trecho do texto da exposição, de minha autoria, que espero transmita a dimensão da densidade de sua obra.
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Thiago Honório: Corte é texto
“Eu sou o objeto que está em mim”
F.Guattari, Caosmose.
“Corte” traz elucubrações filosóficas e poéticas transmutadas em obras de arte. Sua natureza discursiva corresponde à complexidade do pensamento estético que engendra a produção de Thiago Honório, estando esta atrelada ou não a uma investigação acadêmica.
Honório abraça a questão da arte contemporânea ser e conter sua própria filosofia estética, compreendendo o objeto artístico como uma Obra Aberta passível a infinitas leituras por parte do espectador-fruidor. É nessa via de entendimento que se dá seu meticuloso procedimento, o qual contraria os já clichês do “acaso” e da “espontaneidade” que sustentam o discurso de muitas pesquisas de arte hoje. Assim, Thiago Honório não vacila, e prefere o projeto controlado ao projétil em vôo livre – embora não ignore que a imprevisibilidade da resultante artística seja um dado incontornável e necessário.
Projects
The grant aims at supporting and opening up the discussions on artistic research to an expanded network through an open call. It encourages innovative approaches to how discourse is staged and how knowledge is produced, rethought and interwoven across disciplines. Without any limitations on the content, the proposed inquiries are expected to suggest new forms and methodologies, by reflecting on contexts and conditions of the knowledge produced.
Eligibility
Authors (includes artists, curators, writers, thinkers etc…) of any nationality, regardless of age, can propose projects to be carried out individually or collectively.
Applicants can submit an artistic research project that is currently in the production stage or one that is scheduled to be completed during the six‐month period following the date of selection.
